LA MODA ESTÁ DE "ARQUITECTURA"

ya lo dije en mi post   'La Arquitectura está de "moda" '
Arquitectura y Moda es una simbiosis casi perfecta!!!

Si en aquel post hice referencia a arquitectos 'First Class' que colaboran para tiendas de marcas de lujo como Prada o Chanel, hoy voy a darle la vuelta a la tortilla y dar unas pinceladas a algunos casos en los que la Moda se inspira en la Arquitectura para sus diseños. Vestidos que son como edificios, construcciones que inspiran una colección, diseñadores que abrazan corrientes arquitectónicas para expresar sus ideas . Veamos algunos casos :

• El tejido del diseño de Karl Lagerfeld para Chanel inspirado en el Estadio de Fútbol Allianz Arena del Bayern de Munich , uno de los mejores estadios de fútbol del mundo, diseñado por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron .

                                    

• La silueta del vestido del dúo holandés Viktor&Rolf inspirado en el juego de volúmenes del cubo naranja ,de los arquitectos parisinos Jakob y MacFarlane, en el puerto de Lyon.

• El recurso que usan diseñadores como Úngaro o Giorgio Armani en sus vestidos con hombros que se levantan en punta y nos recuerdan los techos de las pagodas orientales.

• El diseño que diseñó la reconocida arquitecta angloiraquí Zaha Hadid para la marca United Nude , marca de zapatos con una peculiar fusión entre moda y diseño ya que para la creación de sus modelos se ponen a la obra arquitectos, diseñadores, editores y fotógrafos . En esta ocasión  Zaha Hadid se inspiró en el complejo residencial que ella misma diseñó en Nueva York.

• También de la marca United Nude son las sandalias inspiradas en uno de los rascacielos más famosos de principios del S.XX, el Rockefeller Center de Nueva York, cuya construcción fue dirigida por el arquitecto Raymond Hood.

• Y qué decir del famoso bolso 'Torre Eiffel '  de Timmy Woods , diseñador de bolsos de lo más originales, para 'Sex in the City' que lucía Sarah Jessica Parker en las primeras  escenas de la película.

• También cabe mencionar la arquitecta Elena García Silva que ha creado una nueva marca de bolsos de lujo 'made in Spain' inspirados en la Bauhaus que buscan la funcionalidad y estética del diseño. Formas puras, líneas rectas, colores básicos y un fuerte carácter geométrico. Lautem , así se llama esta nueva marca que diseñadores como Moisés Nieto , a quien califican como una de las últimas revoluciones de la moda, utilizaron en su último desfile de la pasarela MBFWM O/I 15-16.

El espacio es una fuente primordial en cuanto al desarrollo de la creatividad e innovación de las prendas que muchas veces compramos. Son muchos de los diseñadores de moda que fijan sus ojos en las modernas y antiguas edificaciones que adornan muchas de las avenidas que luego son reflejadas en los vestidos que por lo general hacen parte del gremio de la Alta Costura.

• Ada Zanditon es una de las diseñadoras que traduce corrientes estéticas de un arte  a otro. Su colección 'The Pyramora' surge a partir de la estética de las Grandes Pirámides de Egipto. 

• Derek Lam es otro caso en el que la arquitectura inspira al diseñador. En este caso es en  la colección de Primavera 2012 inspirada en el trabajo arquitectónico del arquitecto australiano Richard Neutra, uno de los arquitectos más importantes del Movimiento Moderno, en especial en la obra maestra de la Casa Kaufmann del año 1946, construida en el desierto de Palm Springs, California. Esta obra es un ejemplo de sencillez y buen gusto, en el que los planos horizontales de las cubiertas parecen flotar sobre paredes de cristal, confiriendo al conjunto un aspecto global de levedad. Líneas rectas y volúmenes que se disuelven de una manera relajada en el lugar que reflejan una casa casi fundida con el paisaje que la rodea. En la colección de Lam se refleja esta idea mediante las estructuras monocromáticas con detalles muy discretos.

La relación entre Moda y Arquitectura es de ida y vuelta, duradera e identificable, en una dirección y otra. A veces superficial, otras profunda, pero siempre creativa!!

                                                                                                                 @montseamiell

De Norma Jean a Marilyn Monroe: la colección de toda una vida

“Pensé: ¿Cómo una mujer que da una imagen tan frágil, superficial y sensual es capaz de crear su propia productora?”. Quien habla es Maite Mínguez (Barcelona, 1956), empresaria del cine y propietaria de una distribuidora de películas, y a quien se refiere es Marilyn Monroe, probablemente el mayor mito sexual de la historia del cine.

Un cheque firmado como Marilyn Monroe Productions, con el que se encontró por casualidad en Santa Monica, fue la razón por la que Maite comenzó a adquirir objetos sobre la vida de la estrella. Paralelamente, y junto a su marido, inició una colección más extensa que, treinta años y casi dos mil artículos después, se ha convertido en la mayor compilación de objetos de cine del mundo.

Su historia con el séptimo arte viene de lejos: “Siempre he sido muy fanática del cine clásico, me podía pasar horas delante del televisor. Con 15 años iba los fines de semana al mercado de Sant Antoni, en Barcelona, a intercambiar fotografías de actores y actrices famosos”. Allí fue donde conoció a su marido, Luis de Val, con el que pronto fundó su propia distribuidora de películas, Manga Films. Y de hobby a profesión: sus constantes viajes de trabajo a Los Ángeles les hicieron darse cuenta que de las fotografías firmadas que colgaban de sus paredes podían pasar a algo mucho mayor.

La lámpara de Casablanca, las botas de James Dean en Rebelde sin causa, el cuchillo de Kevin Costner en Bailando con lobos… Estos son algunos de los objetos -por mencionar sólo unos pocos- que forman parte de una lista interminable de joyas de la historia del cine. 

Sin embargo, fue aquel cheque el que hizo que Maite empezara a interesarse por Marilyn hasta reunir, a día de hoy, una amplia colección de algo más de 200 piezas: “He procurado recorrer toda su vida, desde la primera foto siendo ella un bebé hasta la placa de su tumba y el cenicero donde encontraron las pastillas que provocaron su muerte”. Un camino que conduce desde Norma Jean Mortenson -su verdadero nombre- a la inmensa estrella que fue Marilyn Monroe hasta su terrible final.

El primer contacto lo recuerda con absoluta claridad: “Estábamos en Sitges cenando con unos amigos y seguimos una subasta de Christie’s por teléfono”. ¿El objeto de deseo? El vestido que luce la artista en el filme Cómo casarse con un millonario. Más adelante adquirió el que es quizás su prenda más famosa. 

“Oh, ¿Sientes la brisa del metro? ¿No es delicioso?”. La imagen de Marilyn en La tentación vive arriba, con la falda plisada blanca agitándose cuando pasa sobre un respiradero del metro de Nueva York, ha quedado indisociablemente unida a su nombre. Ese vestido forma parte del armario de Maite desde 1997, aunque guarda una pequeña confesión: “El mío no es el que vistió en el film, sino una réplica exacta hecha por el propio diseñador, William Travilla, para la película”.

Nacida el 1 de junio de 1926, Marilyn Monroe tuvo una infancia complicada y una vida llena de baches emocionales y personales. El director de cine Luis García Berlanga dijo de ella: “Se ha escrito mucho sobre su vida y seguimos sin saber nada”. Lo que sí conocemos es su lucha constante por hacer valer su talento y su capacidad como artista.

En uno de esos intentos se trasladó a vivir a Nueva York para estudiar en la prestigiosa escuela de actores Actor’s Studios. Lee Strasberg, el director, fue su guía y mentor y pronto forjaron una estrecha relación de amistad. Lee la consideraba un diamante sin pulir por sus cualidades como actriz, y a su muerte ella le dejó parte de su legado.

En 1999 la familia de Strasberg organizó en Nueva York una subasta de gran repercusión mediática en la que pusieron a la venta gran parte de esos objetos, que hasta la fecha habían permanecido en la sombra. Maite y su marido asistieron a la puja, que recuerda como una auténtica locura: “Había muchísima gente y los teléfonos no paraban de sonar. Los objetos alcanzaban precios estratosféricos. El vestido que lució Marilyn en la fiesta de aniversario del presidente Kennedy, por ejemplo, ¡superó el millón de dólares! Yo no me lo podía creer”.

De aquella extraordinaria subasta salieron con siete adquisiciones, una pérdida y una victoria. Con las cifras por las nubes, decidieron abandonar su deseo de llevarse a casa el Globo de Oro que ganó en 1959 por Con faldas y a lo loco, aunque eligieron consolarse con el certificado de su nominación. 

Lo que sí consiguieron añadir a la colección fue la camisa de Pucci que Marilyn llevó en una de sus últimas sesiones fotográficas, no sin antes luchar contra una curiosa oponente: “También estaba pujando la hija del diseñador, que quería la prenda para su museo. Eso hizo que el precio se disparara un poco, pero no me rendí”.

Y es que cuando se trata de números, Maite se vuelve un poco tímida. Asegura que, en una subasta, todo depende de los interesados, independientemente de cuáles sean los objetos subastados: “Los precios pueden oscilar entre los 100€ por una fotografía con autógrafo hasta los 80.000€ por un vestido”. A veces, como en el caso de Nueva York, ascienden a unas cifras imposibles y totalmente desorbitadas. “Me hace gracia porque hay personas que me preguntan si me los pongo, o si los toco. Habrá gente que sí lo haga, pero para mí son piezas de exposición”.

A pesar de tener una amplia variedad de objetos, la colección prácticamente no dispone de ningún artículo que sea representativo de la vida conyugal de la actriz con sus dos últimos y más famosos maridos, la estrella del béisbol Joe DiMaggio y el dramaturgo Arthur Miller. Unos enlaces que hicieron mella en la actriz por sus desafortunados resultados: “Ella estaba desesperada por que la quisieran, pero ese afecto sólo lo consiguió en su vida pública y profesional”. 

En diciembre del año pasado se puso a la venta una carta que DiMaggio envió a la artista suplicándole que reconsiderara su decisión de divorciarse. “Era un hombre frío. No se preocupaba por mí ni como ser humano ni como artista. Prefería mirar el televisor a hablar conmigo”. Así describió Marilyn su matrimonio con Joe, que no llegó a celebrar su primer aniversario, y así lo ve también Maite: “No estábamos interesados en esa carta. Ya teníamos suficientes fotos familiares y de su pasado como para poder representar ampliamente la parte privada de su vida”. 

Aún así, reconoce que le hubiera gustado tener el anillo de boda que el deportista le regaló: “Pese a su carácter, él estuvo tan enamorado de ella… Incluso después de su muerte. Fue el único que se encargó de todos sus trámites”.

Con tantos recuerdos de una vida en sus manos, Maite cree tener una idea certera de cómo pudo llegar a ser la ambición rubia: “Fue una persona que siempre quiso desencasillarse, pero que no llegó a alcanzar las metas que quería en su vida, ni tenía la imagen que le hubiera gustado tener. Le fallaron mucho las relaciones afectivas porque no se encontró con las personas adecuadas”. 

De lo que sí está segura es de que, pese a los años, Marilyn Monroe nunca olvidó a Norma Jean. Así que, cuando reflexiona sobre por qué decidió crear una colección exclusiva sobre la actriz, de entre todas las razones hay una que trasciende todo interés personal o subjetivo: “Porque ella es una leyenda”.

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Anna Elizalde

LA SENSUALIDAD ESTÁ DE MODA EN EL ARTE : ARCO 2015.

Hacemos un repaso por las obras más provocativas de ARCO 2015. La Feria Internacional de Arte Contemporáneo madrileña celebraba su 34ª edición el pasado 25 de Febrero.  Hasta el 1 de Marzo los pabellones 7 y 9 de Ifema se llenaron de obras procedentes de todo el mundo, y por sus pasillos anduvieron más compradores, artistas y curiosos que en cualquier otra edición.

Este año se batió record de asistencia, la visita de artistas y participación de galerías latinoamericanas estuvo más presente que nunca, pues el país invitado de este año fue Colombia.

Vimos color, exotismo, originalidad y sensualidad, mucha sensualidad.

¿Cómo definir la sensualidad? Ese término tan utilizado en Moda, una cualidad tan aclamada.  

Según la RAE :

sensual.

(Del lat. sensuālis).

1. adj. Perteneciente o relativo a las sensaciones de los sentidos.

2. adj. Se dice de los gustos y deleites de los sentidos, de las cosas que los incitan o satisfacen y de las personas aficionadas a ellos.

           3. adj. Perteneciente o relativo al deseo sexual.

Digamos que la sensualidad ha de tener un poco de todas estas definiciones, y si la llevamos al terreno del Arte, una obra sensual ha de estimular nuestros sentidos, siempre en el lado positivo de estos (excitarnos, relajarnos, emocionarnos…).

Este año parece que la sensualidad ha sido una cualidad muy destacada en las obras de ARCO. Hemos visto piel, mucha piel.

Reconocidos nombres como Robert Mapplethorpe, artista Estadounidense, compañero de batalla en la década de los 70 de la poeta y cantante Patti Smith, quien por cierto visitará pronto Barcelona, y también artistas emergentes, nos han mostrado su lado artístico más erotizado.

Hacemos un repaso por las obras más sugerentes de esta edición, comenzando por el polifacético Robert Mapplethorpe.

Barry, 1983 .  Vintage Silver Gelatine Print.

De las impresiones vintage en blanco y negro de Mapplethorpe pasamos a fotografía más actual, como la de la artista Regina José Galindo. Nos trajo una serie fotográfica en la que mezcla la naturaleza con el ser humano más puro. 

Descensión, 2013 - Photo

Dentro de la fotografía, también destacamos al peruano Sergio Zevallos, con su serie Casona,1984, dónde trata temas como la identidad sexual, violencia y provocación. 

En disciplinas como la pintura tenemos el trabajo de Celia Hempton, una serie de pinturas al óleo cuyos elementos principales son los órganos sexuales. 

Kate, 2014 - Oil on canvas

En la misma linea, el chileno José Pedro Godoy, nos trae una serie de pinturas hiperrealistas llenas de exotismo y pasión. Aquí un par de la serie  Cae la noche tropical, 2014. 

Y para terminar, la delicadeza con la que la colombiana María Alejandra Garzón cose sus obras. Sí, cose. Ilustraciones bordadas sobre tela y bautizadas como Suntuosa Vulgaridad. 

La sexualidad femenina plasmada en tela. Este es el resultado :

Suntuosa Vulgaridad

Como estas, muchas más obras que siguen en la línea del erotismo y la sensualidad. Si no habéis podido asistir a la feria, en la plataforma Artsy.net podéis realizar un recorrido virtual por todas las obras.

Cristina Chico

@ModstCris

Sofisticación y diseño callejero en el "Palo Alto Market"

El otro día se cumplían cuatro meses de mi llegada a la capital catalana y cuando te encuentras dentro de la categoría de “forastero”, una ciudad como Barcelona se te puede quedar grande a veces. Y aunque estas palabras puedan parecer algo peyorativas, precisamente son lo contrario.

Barcelona es la ciudad que nunca duerme, cuna del arte y del diseño, uno de los epicentros de la multiculturalidad –en todos sus sentidos- y el lugar en el que se amontonan los sueños en callejuelas y recovecos. O al menos, así la concibo yo desde mi perpectiva “forastera”, como anticipaba en el párrafo anterior.

Mi gran sorpresa del pasado fin de semana fue el Palo Alto Market: algo nuevo para mí pero también para los barceloneses ya que dicho mercadillo se inauguró el pasado 6 de diciembre. Se trata de una iniciativa que reune mensualmente cerca de 150 expositores que, gracias a sus obras, crean un mercado callejero que se ha convertido en visita obligada para “forasteros y no forasteros”.

Basado en el concepto del street market popular, Palo Alto Market se sitúa en una antigua fábrica industrial del barrio de Poblenou. Un espacio de referencia en Barcelona que aúna lo moderno con lo vintage y lo retro. Objetos que acercan al pasado a los visitantes y los llevan hasta sus más profundos recuerdos; unos recuerdos de los que pueden disfrutar gracias a sus cinco sentidos.

Aunque no todo artista es bienvenido en este mercado tan peculiar. Una selección exhaustiva hecha con mucha sensibilidad se pone en marcha atendiendo a criterios de calidad y sintonía con los objetos que definen la propia identidad de este mercado de 3700 m2.

¿Qué es lo que lo hace tan especial? He aquí todo lo que podemos encontrar:

ART & DESIGN GALLERY

Instalaciones efímeras que ofrecen al público obras de distintos autores.

PRODUCTO Y FASHION NEW DESIGN

Un escaparate para los amantes de los muebles y el diseño contemporáneo. 

OBJETOS Y MUEBLES VINTAGE

Tesoros restaurados y convertidos en grandes iconos. 

FASHION RETRO Y VINTAGE

Prendas y complementos vintage que nos trasladan a estilos de vida pasados.

 CRAFT, HAND-MADE Y RECICLAJE

Productos hechos a mano por pequeños artesanos y convertidos en poesía.

STREET Y TRUCK FOOD

Cocineros jóvenes que están revolucionando el panorama gastronómico. 

MÚSICA Y TEATRO DE CALLE

Artistas de diferentes estilos que ofrecen conciertos íntimos.

 ESTUDIOS DE ARTISTAS 

Creadores  que  abren sus estudios al público para ofrecer parte de su obra.

Palo Alto Market ha pasado de ser un mercadillo callejero a una experiencia que todo aquel que aprecie el diseño debería vivir porque "the best moment is right now".

Montse Rodrigo

Los colores que visten la primavera

La primavera está cada vez más cerca. Solo faltan 12 días para que el ansiado “caloret” comience a llegar y sobre todo empecemos a quitarnos capas y capas de ropa que llevamos en este larguísimo invierno.

Aunque todavía falten unos días para la nueva estación, las revistas de moda ya han dejado en sus quioscos las ediciones especiales (que cada vez pesan más y llevan menos contenidos) de las tendencias para la primavera-verano 2015.

Sabemos que se llevará el boho de los años 70, las siluetas alargadas, el tul, el ante y las sandalias de gladiador. ¿Pero cuáles serán los colores que nos vestirán esta temporada? ¿Tocan los flúor, los ácidos o hay que volver a los pasteles?

Una temporada más Pantone nos ha dado una lista con los diez colores que se apoderarán de nuestras prendas y accesorios y que seguramente al final del verano no queramos volver a ver. Con nombres extremadamente rebuscados, nos encontramos con colores suaves y cálidos que desprenden tranquilidad. Estos son los diez colores del verano: 

•  El Marsala. Es el color estrella. El top one esta temporada. Este color debe su nombre al sur de Italia, al vino que se produce en esta zona de Sicilia. Es una mezcla entre los colores tierra y el color del vino tinto.

1. Nina Ricci// 2. Louis Vuitton// 3. Victoria Beckham// 4. Zuhair Murad. 

• El gris glaciar. Parece que los colores del invierno toman un poco también las tendencias de primavera. En un tono más claro a lo que estamos acostumbrados, este color apunta a convertirse en todo un éxito entre los hombres. 

• El aguamarina. Muy parecido al gris glaciar y muy diferente a la idea que yo tenía de este color. Un tono suave básico en este verano combinado con algunos más subidos.

1. Chanel // 2. Chloé // 3. Stella McCartney // 4. Valentino

• Verde lucite. Para mí el tradicional aguamarina pero si lo dice Pantone habrá que hacerle caso. En la gama del anterior y del Scuba del que hablare después, es uno de los colores que más evoca al verano. 

1. Bottega Veneta // 2. Valentino // 3. Pepa Salázar// 4. Pringle of Scotland 

• Scuba. Podríamos decir que la diferencia entre este y el anterior solo es apreciable para personas con un ojo muy sensible, porque los diferencia únicamente la intensidad del tono. El Scuba es el tradicional turquesa. Este año la primavera se viste de azul.

1. Chloé // 2 y 3. Pringle of Scotland // 4. Ungaro

•      Azul clásico De nuevo, como ocurre con el gris, los colores más clásicos del invierno toman la primavera. El propio nombre lo indica. El azul noche, azulón o azul oscuro. Llámalo como quieras pero es el clásico.

1. Hermès // 2. Miguel Palacio // 3. Stella McCartney // 4. Ángel Schlesser

•  Fresa hielo. Los colores pastel son los protagonistas de esta temporada y cuando reinan los pasteles, el rosa no puede faltar. Dulzura en estado puro.

1. Chanel // 2. Pepa Salazar // 3. Giambatista Valli // 4. Kenzo

•             Almendra tostada. Un clásico entre los clásicos. Viene esta vez más suavizado que en otras ocasiones perfecto para combinarlo con el blanco o con algunos de los anteriores. Esta pensado para la mujer discreta.

1. Bottega Veneta // 2. Armano // 3. Stella McCartney // 4. Marni

•         Natilla. Este color incita a ponérselo porque el postre al que hace mención resulta tan apetitoso. Aunque ¡cuidado! No es un color que quede bien a todo el mundo. 

1. Pepa Salazar // 2 y 3. Ángel Schelesser // 4. Ungaro

•           Mandarina. Quizá sea junto al Scuba los colores más fuertes  de la temporada aunque este sin perder el toque dulzura que predomina este año. Perfecto en sus combinaciones con blanco. 

1. Alvarno // 2 y 3. Hermès // 4. Sita Murt

¿Con cuál os quedáis vosotros?

Puedes leerme más en @pauissima 

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El Pelo sucio está de moda.

No, no es una broma, es una realidad, el pelo sucio se lleva esta primavera... al menos eso dictan la mayoría de las campañas publicitarias primaverales de grandes marcas de moda como  Coach. No solo en las campañas publicitarias sino  también en las pasarelas, firmas como Prada o Calvin Klein proponen que sus modelos luzcan  coletas grasientas y flequillos pegados a la cara con un aspecto realmente sucio y despalillado.

   

Puede que la moda se este uniendo al reto "No Poo Challange", que ha sido un fenómeno en las redes, y que propone no limpiarse la melena en un mes, con el objetivo de hundir el uso de champús. Actrices como Shailene Woodleyo es una de las seguidoras de esta tendencia o actores como Robert Pattinson. Muchos siguen esta propuesta por ir a la moda, pero en sí el reto "No Poo Challange" busca seguir las corrientes ecologistas que apuntan que el uso de jabones, champús y detergentes son perjudiciales para medio-ambiente. A esta idea también se suma la teoría de que usar productos capilares es nocivo tanto para el cabello como para el cuero cabelludo. Cada vez son más los famosos y los bloggers que apuestan por los beneficios de cambiar los champús por bicarbonato de sodio o vinagre de manzana.

¿Moda o ecologismo? 

Tú te apuntarías a esta moda y le evitarías daños mayores a tu cuero cabelludo o serías de los que no se atreverían a salir de esa guisa a la calle y gritarías...Una ducha por favor!!!

Belén Vázquez Merayo

@beeelvm

El cuerpo vestido, del corsé artístico al corsé mental

Fuente: Sitio web. Museu del Disseny de Barcelona.

A través de los años la moda ha ido cambiando de acuerdo a la época, las telas, los diseños y los complementos de cada prenda de vestir muchas veces se han repetido en esta línea de tiempo. El cuerpo vestido es una exposición que tiene lugar en el Museu del Disseny de Barcelona. En la muestra se explica a través de una línea de tiempo la evolución de las prendas de vestir, principalmente de mujer, aunque también hay algunas piezas de hombre que han sido expuestas. En la exposición se puede apreciar y entender de manera clara desde los primeros diseños de un vestido hasta los diseños de creadores contemporáneos. Cada vitrina se apoya de un maniquí mecánico que nos señaliza las partes del cuerpo que han sido “deformadas” dependiendo la época y el diseño. 

Como la exposición esta centrada en los diseños femeninos, resulta interesante poner especial atención a las transformaciones que el cuerpo femenino ha tenido en cada época de la historia de la moda, además de notar que muchos diseños se han repetido, incluso hasta nuestros días. “Desde el corsé físico que dejaba poco espacio para respirar a la mujer, hasta el corsé mental que en nuestros días hace que la mujer vista prendas muy ajustadas a su figura”, explican Teresa Bastardes y Silvia Ventosa, comisarias de la exposición.

La exposición explica cinco acciones básicas que a lo largo de la historia del vestido han servido para modificar la apariencia del cuerpo: ampliar (mediante cuellos escarolados, pechos inflados, bragas de calabaza o braguetas infladas, volantes y lazos), reducir (con cartones de pecho y corsés), alargar (mediante pelucas y ornamentos, sombreros de copa o zapatos de plataforma) y perfilar (con calzones y medias que crean una silueta filiforme, camisetas o mallas); y una quinta acción, destapar (a base de transparencias y piezas de ropa mínimas), correspondiente a las épocas de libertad que rompen con las convenciones y los artificios del vestido: la Revolución francesa, por ejemplo, los años veinte y treinta o los años sesenta del siglo XX.

“La muestra, con una representación de 50 diseñadores, dedica especial atención a los creadores catalanes y españoles, e incluye vestidos y conjuntos de Mariano Fortuny, Balenciaga, Santa Eulalia, Pedro Rodríguez, Pertegaz, Pedro Rovira, Esteve Pila, Antonio Miró, Andrés Sardá, Roser Marcè, Juan Duyos, David Valls, Miquel Adrover, Josep Abril, Miriam Ponsa, Txell Miras, Amaya Arzuaga y Josep Font.

La exposición esta formada por 173 piezas, de las cuales, 111 son prendas y 62 son estructuras de los vestidos. El cuerpo vestido se encuentra en la tercera planta del Museu del Disseny de Barcelona”, mencionan las comisarias.

La colección completa está formada por 18.000 piezas, de las cuales poco más de la mitad son prendas de vestir y la otra gran parte son accesorios. Gran parte de esta colección del Museu del Disseny ha sido donada por la fundación de Manuel Rocamora. Rocamora era un miembro activo de la burguesía catalana, pintor, escritor y especial coleccionista de artículos como: figurines, autógrafos, cerámica, y por supuesto, artículos de indumentaria. Tenía, además, especial interés por coleccionar estas piezas de vestir que fueron donadas al museo, la mayoría de estas prendas habían pertenecido a su madre y su abuela.

La parte restante de la colección del museo y muy importante por sus orígenes también, ha sido donada directamente de los diseñadores, quienes en muchos casos recurrieron a sus clientas habituales para solicitarles alguna pieza para ser donada a los inventarios del museo.

Fuente: Sitio web. Museu del Disseny de Barcelona.

                                                              

                                                              Luis López