Day – Moss: una alianza revolucionaria

Catalina Cabrera 

Lograr amistades reales dentro del mundo de la moda no es una constante. Sin embargo, como en todo orden de cosas hay excepciones. Es el caso dela modelo Kate Moss y la fotógrafa Corinne Day que cultivaron una bella relación y marcaron un hito en la historia de la moda del siglo XX. 

Corinne Day nace el 19 de febrero de 1962 en Ealing (Londres) dentro de una familia poco convencional. Su madre trabajaba en un burdel y su padre robada bancos, a raíz de ello fue criada por su abuela. Más adelante, a los 16 años deja la escuela y pasa por diversos oficios como azafata y modelo.
 

Corinne Day en su juventud

No fue hasta que conoció al cineasta Mark Szaszy en 1985 que sintió interés por la fotografía, aprendiendo casi de forma autodidacta. Cuatro años más tarde, ya era directora de arte de la revista The Face.

En 1990 conoce a una chica de sólo 15 años que en el futuro dominaría el mundo de la moda. Day estaba desarrollando una producción fotográfica titulada “The third summer of love”. Buscó por varias agencias y dio con unas fotografías de Kate Moss en formato polaroid. Ése fue el punta pie inicial para una alianza que revolucionó a industria de la moda en los 90. 

Primera portada Kate Moss

Producción "The third summer of love"

Corinne Day apostaba por una estética grunge y trash que pudo cultivar hasta el final de su carrera junto a su musa. Hizo una propuesta muy avanzada para la década, donde buscaba transmitir un estilo antisistema, descuidado y antiperfección. Conceptos absolutamente opuestos a los utilizados en ese entonces, donde la moda pasaba por un auge de lujo, poder, glamour y sobre todo belleza. 

Al mismo tiempo, Kate Moss fue el principal rostro de este fenómeno llamado Heroin Chic, que mostraba modelos muy delgadas, sin maquillaje, con aspecto demacrado y poses poco favorecedores. Evidentemente diferente a lo que transmitían íconos de la época como Claudia Schiffer, Christy Turlington, Cindy Crawford, Elle Macpherson y Linda Evangelista, por sólo nombrar algunas.

Topmodels de los 90

Dicha primera producción en conjunto, permitió que Moss apareciera en 1993 en la portada de la Vogue británica en un retrato muy sencillo y coherente con la propuesta de las amigas. Esto marcó un antes y un después en la industria, a pesar que la estética recibió muchas críticas por el hecho de utilizar adolescentes desnudas que proyectaban una imagen inocente y tierna.

Vogue británica 1993

Sin embargo, tuvo muchos más seguidores. Las topmodels estaban de retirada y el mundo le daba la bienvenida a una nueva tendencia que incluía a Nirvana, Calvin Klein y, por supuesto, Kate Moss. Fotógrafa y modelo fueron capaces de anticiparse algunos años, logrando un éxito prácticamente inmediato. 

La amistad se mantuvo hasta el 27 de agosto de 2010, día en que la artista fallece a causa de un tumor cerebral. Mientras Corinne Day luchaba contra en cáncer, Moss reunió 120.000 euros para que ésta pudiese continuar con su tratamiento. Aunque no pudieron vencer la enfermedad, lograron perpetuar una relación de sincera amistad en un mundo particularmente frío. Pero lo más importante, dos jóvenes mujeres modificaron el paradigma del cuerpo femenino que dictó autoritariamente el siglo XX. 

Amigas hasta la muerte de la fotógrafa en 2010

PRONOVIAS ABRE EN VENEZUELA

La emblemática firma Española líder en moda nupcial elige Caracas como punto de llegada al país Latinoamericano, han abierto sus puertas en un sector reconocido por albergar a las mejores marcas de lujo que aún tienen presencia en el país, con sus 125 metros cuadrados es una gran apuesta y un voto de fe a la renovada situación política de un país con un panorama sino negro bastante oscuro.

Pronovias apuesta a un mercado poco explorado, donde el consumidor mantiene un interés por el punto de venta, no está socializado con las promociones y no ha sido bombardeado por los medios de comunicación, aparte de un público con poder adquisitivo y un oleaje de redes sociales que le insistan a la necesidad de este tipo de productos; que sería sino el panorama perfecto para cualquier empresa con recursos y experiencia como en el caso de la firma Española.

Sin embargo la estabilidad política de país hace de esta apertura una jugada peligrosa, ya que la protección a la industria nacional o más bien a los intereses del gobierno acarrean sanciones a las empresas extranjeras quienes son sometidas a rigurosos auditorias y vigilancias, como en el caso de Zara, que fue obligada a cerrar por 72 horas sus tiendas por poner un lote de la pasada colección en rebajas a partir de una devaluación de la moneda local, el Bolivar; medida que no afecto directamente a Inditex ya que en Venezuela tiene presencia a raíz de 22 franquicias y no de tiendas propias de las cuales 9 son Zara.

En un país donde la industria ha decidido emigrar y hasta la legendaria Louis Vuitton decidió empacar y marchar sin despedirse, Pronovias se arriesga con tienda propia y será cuestión de resultados y estrategias triunfar en la tierra de nadie. Suerte con eso!

Eliana Pacheco Arevalo

'El film a l'agulla'

El pasado 5 de Diciembre se inauguro la exposición ‘El Film a l’agulla’ en la Filmoteca de Catalunya situada en el barrio barcelonés del Raval, la cual estará en la ciudad hasta el 30 de Marzo, aproveche para ir a visitarla y así poder transmitir y acercar que es lo que podéis encontrar en ella.

Cartel de la Exposición. 

Una exposición dedicada a las relaciones entre el cine y la moda, donde podremos recorrer dentro de una misma sala diferentes aspectos que relacionan de forma directa la dependencia entre estos dos artes.

Interior de la Exposicón.

Además durante el periodo en el que estará la exposición, los que se acerquen a la Filmoteca podrán disfrutar de un ciclo cinematográfico que proyectara alrededor de unas 30 películas seleccionadas, las cuales reflejan la importancia de la que nos hablan.

Es una forma muy visual de terminar de entender el porqué de esta experiencia que nos ofrece ‘El Film a l’agulla’. A veces el protagonista es el mismo vestido como en Tales of Manhattan, o en otros casos los intérpretes como Richard Gere en American Gigoló se definen por su indumentaria.

Henry Fonda y Ginger Rogers en Tales of Manhattan.

Richard Gere en American Gigolo.

Que sería Charles Chaplin sin su bigote y su bombín o Super Man sin su mono azul y su capa roja.

                                     

La exposición está articulada en ocho ambientes; El vestuario hace al personaje, Piezas que han hecho historia, Creadores de tendencias, Ellos y ellas o las apariencias engañan, Vestuarios imaginarios, Alquimistas del cuerpo y la presencia: los diseñadores de vestuario, De la sombra a la luz: el diseñador es la estrella y por ultimo Moda y transgresión: simulacro y verdad.

La exposición plantea la importancia que ha tenido el cine como creador y difusor de tendencias y modas, una cobertura que ayudo a popularizar las modas con mucha rapidez.

El acto de vestirse es una elección de cómo presentarnos a la sociedad, un lenguaje. Esto en cine se amplifica de manera que cada símbolo, cada detalle, las diferentes caracterizaciones de personajes tiene sentido, caracteriza y le dota de sentido.

El vestuario en cine es uno de los puntos más importantes, junto con el guion y las bandas sonoras. El cine además tiene un papel clave, fabricante de moda y reflejo del mundo de la alta costura, tal es la importancia que muchas veces hemos podido ver documentales reflejando vidas de grandes diseñadores como Karl Lagerfeld o Yves Saint Laurent, convertidos en iconos de la moda, así como films que están inspirados en vidas de genios de la moda o periodistas como Anna Wintour, Prada o Chanel.

La exposición es fruto de una colaboración con el IED Barcelona Escola Superior de Diseny,  por lo cual también podremos encontrar una colección de 40 complementos realizados con material vinculado al cine como celuloide, entradas, cajas de latón… Encontramos desde collares hasta incluso bolsos de fiesta ideales para una noche de premios cinematográficos como los Gaudí o los Goya, celebrados hace pocos días.

Varias muestras de complementos diseñados por los jovenes futuros diseñadores.

Además nos encontramos con varios proyectos de alumnos de Diseño de Moda del IED inspirados en el mundo cinematográfico y de la moda.

Una de las tesis muestra dos looks inspirados en la película Freak, con originales formas y volúmenes, capas y superposiciones que reflejan líneas rompedoras, blancos y negros inspirados en el cine de los años 20.

Por otro lado, encontramos un aire conceptual, con juegos de formas y colores. Con el color rojo como foco principal y la deformación extrema como técnica principal son  fruto de la vinculación con el circo que propone la tesis de esta otra alumna con dos looks más.

Luego en el centro de la exposición aparece una fila de maniquíes con propuestas por los alumnos siguiendo el hilo de la sala inspiradas en el cine, desde películas como Casanova, Morte a Venezia, Mouline Rouge, Blade Runner, Dangerous Liaisons, Cleopatra, Edipo Rey, Fellini – Satyricon y In the mood for love. ¡Autenticas obras de arte!

Y para terminar de recorrer la exposición nos encontramos con dos rincones cedidos, uno por Rafael Pagés que ha aportado una muestra de su propio museo que tiene de la peluquería para que los asistentes vean cuales eran los métodos que se usaban anteriormente en el cine.

Y el segundo por Ariadna Papió y Carrasco, una diseñadora formada en Studio Berçot de Paris especializada en vestuario de cine y espectáculos. Nos permite observar de cerca una muestra de sus diseños originales para la película ‘El Bruc: La llegenda’ la cual le llevo a ganar el premio Gaudi 2012.

Un recorrido completo para hacernos a la idea de la importancia de los detalles en el cine, de cada punto tratado para dotar de sentido a cualquier personaje o situación. Una exposición didáctica, con mucho material visual y además con la opción de poder terminarla con un film en la sala cinematográfica de la instalación.

 ¡Una experiencia que vale la pena visitar!

Horarios: de martes a domingo de 16.00h a 21.00h

4€ con obsequio de una invitación para cualquier proyeción.

Romina Esteve

Agradecimientos a Pilar Garcia Sedas Responsable de Comunicación y Prensa de la Filmoteca de Catalunya por la atención.

EL BIGOTE ESTÁ DE MODA

¿De dónde surge esta moda tan curiosa? ¿Cómo los bigotes han llegado a ser el estampado y/o el accesorio de las prendas femeninas? ¿Cómo ha ido ganándose el sitio en la moda de este otoño-invierno?

Todo empezó cuando Eleven Paris sacó unas prendas con celebrities como Lady Gaga, Kate Moss y Karl Lagerfeld imitando un bigote pintándolo en el dedo. Parte dinero que se consiguió con estas camisetas se donó para la investigación del cáncer de próstata y de testículos.

La idea surgió a partir del movimiento del “Movember” en el que, durante el mes de noviembre, los hombres se dejan bigote e intentan recaudar fondos para esta causa. Muchos de ellos cuelgan fotografías del antes y del después para conseguir así el dinero para la investigación. Éstos son los llamados Mo Bros y sus chicas son las Mo Sistas.

A partir del éxito de Eleven Paris, las firmas de moda low cost se han unido al movimiento del bigote, convirtiéndose en una novedad en el estampado de este invierno. Una ropa o un accessorio con el Mostacho, son la prenda in del momento.

Asos y Zara son dos grandes muestras sobre el boom del mostacho en la moda. Se han llenado de prendas tipo jerséis, slippers, anillos, etc…en los que aparecía. Ha sido tal su éxito que muchas mujeres han decidido plasmar el bigote en su manicura.

En cuanto a las redes sociales, podemos encontrar la comunidad de Facebook Mostacho en la que hay 1,6 millones de usuarios.

Laura Raventós Bernal.

Detrás del objetivo de David Leslie Anthony

En esta ocasión, os voy a sumergir dentro del mundo de la fotografía de la mano de David Leslie Anthony. David tiene su sede en los EE.UU.
Actualmente trabaja en Los Angeles, Nueva York, Paris, Londres, Milan...etc. Ha trabajado en Harper's Bazaar (Edición Internacional), Marie Claire (Ed. Int.), Marie Claire UK, Publicaciones Condé Nast, Zink Magazine, Allure, Elle, David ha trabajo basicamente con casi todas las grandes. Además debo decir que tiene clientes de la talla de Calvin Klein, Pepsi UK, Bon Ton, entre muchos otros.

David, aunque sigue siendo un absoluto profesional, siempre es un artista, una cualidad que está muy presente en sus trabajos. Su toque artístico siempre está reflejado en todas sus obras, haciendo de todos ellas un referente para los jóvenes.
Es un fotógrafo con personalidad, que en mis propios térnimos eso significa tener una opinión fuerte, una visión clara de lo que se quiere lograr en cada trabajo, movimiento, personas, espacio, color.

David empezó en la industria de la belleza en los años 80, como director creativo para una firma de peluquería. Para David, la fotografía es una progresión natural, sobre todo porque tuvo la gran suerte de trabajar con los grandes de la fotografía de moda. Debo hacer hincapié en que David es un fotógrafo autodidacta. Define su estilo como la forma de ver las cosas; el mundo, la vida, las personas, lugares, vivencias. Todos estos inputs son los que crean su "STYLE".

En su trayecto profesional ha habido diferentes influencias. Helmut Newton y Guy Bourdin lo influenciaron por sus imágenes sugerentes. Herb Ritts y Richard Avedon por su simplicidad y sus líneas limpias. Peter Lindbergh por su storytelling, y Elgort Arthur por el movimiento natural y la gracia que evoca a sus modelos. 

Desde mi punta de vista, David es un fotógrafo que no necesita presentación para los amantes de la moda, sus trabajos hablan por si solos, ya que no solo hace fotografía sino que también hace films de sus shootings.

Aquí os dejo dos de ellos, veréis que no tienen desperdicio. Primero un shooting de Prayer Haute Couture: Miss Ready - Angel y a continuación una exquisitez para la Sheridan Road Magazine.

Y por último una fotografía del protagonista en cuestión: David Leslie Anthony.

Por Gina Castellón Ordas

Welcome to the jungle

Por Catalina Cabrera

No cabe duda que los hombres componemos la selva más peligrosa de todas. Los animales atacan por instinto de protección o para saciar el hambre, sin embargo, nosotros recurrimos a la violencia con el único afán de hacer daño. A pesar de ello, nos consideramos muy por sobre estos seres “inferiores”, lo que nos ha llevado a comer de su carne, abusar (a veces) de su compañía y vestir de sus pieles.  

Dicha indumentaria se remonta a la prehistoria. Los cromañones, que vivieron durante el periodo Paleolítico, cubrían sus cuerpos con pieles de animal para evitar el frío. Prueba de esto, las pinturas rupestres encontradas en rocas y cavernas lo comprueban.

Cazaban los animales y utilizaban sus pieles, dientes y uñas como indumentaria.

Con el paso de los años, el hombre desarrolló su inteligencia y técnica lo que le permitió crear utensilios más avanzados y ropas similares a la imagen actual. En tanto, las pieles pasaron a cumplir una función suntuaria, fenómeno que fue potenciado al extremo por Luis XV.

El rey francés, llamado El Bien-Amado (Le Bien Aimé), en el siglo XVIII oficializó la fabricación de estampados de animal: en ese momento nace el denominado Animal Print. El monarca ordenó a sus súbditos la elaboración de  este material para satisfacer a su esposa, quien relacionaba el uso de las pieles con su país de origen (Polonia). 

Luis XV de Francia

A partir de este punto, el Animal Print tuvo mucha relevancia y marcó tendencia entre las monarquías, dado que se convirtió en un símbolo de poder y status. Hasta ese entonces, los reyes de la época medieval sólo utilizaban pieles de felinos colgadas, tanto para vestimenta como para decoración en sus castillos.

Cuando en el siglo XX empezó la revolución femenina (1940), las mujeres llevaban pieles para proyectar grandeza y como señal de riqueza. Pero fue en los 50, que se consolida el estampado animal como un must que representaba glamour y estilo. Las grandes casas de moda comenzaron a trabajar sobre este diseño.

Jacqueline Kennedy

Betty Page

Ava Gardner

Y como toda curva de tendencias, dos décadas después (1970) inició lo que llamamos la “popularización”, es decir, que se podían encontrar los estampados en todo tipo de prendas. Esto sucede gracias a diversos movimientos como el punk, el rock y el hippie que buscan revelarse contra el sistema de la época. Al mismo tiempo, las organizaciones a favor de los animales llaman a usar este material y desaprobar las pieles, lo que potenció aún más el uso de los estampados.

En la actualidad, los avances tecnológicos han permitido que la confección de pieles sintéticas y estampados luzcan idénticas a las reales. Esto ha masificado el Animal Print hasta tal punto, que hoy todos tenemos una prenda o accesorio con dicho diseño. Pueden ser de leopardo, cebra, vaca, jirafa, tigre, serpiente, entre muchos otros. 

  Cebra                                                        Leopardo

Cada temporada vemos en los Fashion Week como los diseñadores se apropian de dicho estampado en sus colecciones. Lo han hecho Prada, Chloé, Valentino, Dior (etc.) y por excelencia Cavalli y Dolce&Gabbana. Pero lo vemos por sobre todo en la pasarela más grande de todas: la calle.

El Animal Print es parte del streetstyle por excelencia. Lo podemos ver interpretado de maneras muy chic y cool, asimismo puede llegar a ser extremadamente vulgar todo depende de la manera de llevarlo y como combinarlo.

 

En mi opinión adoro este estampado, particularmente el de leopardo. Creo que todas deberían darse la oportunidad de jugar con ellos, dado que con sólo una prenda se puede pasar de una tenida básica a un look divertido y con estilo.